Mediocre realización en todos los aspectos, siendo su guión el punto más negativo. La historia es poco creíble, previsible, mal desarrollada y con un final que demuestra la falta de ideas con la que se concibió esta película. El tempo es completamente dispar y su sentido cómico es prácticamente inexistente. Sólo en algunas ocasiones y al principio de alguna escena, hay alguna frase conseguida, que es desperdiciada y no es aprovechada para mejorar el nivel. Los personajes y la actuación son irregulares y en ningún momento consiguen sacar a la película de su mediocridad. “Sólo para Parejas” es una comedia aburrida y de escaso humor, que pretende tener algo de chispa, pero resulta demasiado anodina y completamente previsible, para justificar un presupuesto de 60 millones de dólares y casi dos horas de duración.

Gerard Butler logra darle peso a su personaje haciendo que el espectador se sienta identificado con él. El actor crea un conflicto moral debido a que la empatía con este sujeto, genera en el espectador el deseo de ver consumada su venganza y al mismo tiempo, la conciencia dicta que no debe lograrla. Jamie Foxx también hace una acertada interpretación de un abogado con una ambición muy marcada por el éxito, sin saber que la búsqueda del mismo lo llevará a una pesadilla.
La cinta plantea una crítica al sistema judicial estadounidense, que puede replicarse a la mayoría de los sistemas judiciales en el mundo, donde los abogados tienen que manejar una doble moral para lograr llevar los juicios a un término favorable, sin importar las consecuencias que ello implique y aunque el resultado no sea el más apropiado para el cliente.
Uno de los aspectos que ayuda a la película, es que el desarrollo de los acontecimientos se va dando paso a paso, manteniendo al espectador atento a cada detalle que sucede, mientras internamente cada quien hace las conjeturas respecto a cómo el personaje principal logrará cada uno de sus asesinatos y cada situación va encajando perfectamente en la línea de tiempo de la historia.

Este filme no es exactamente un remake. Sin embargo, mantiene el esquema del original siguiendo el periplo de varios jóvenes alumnos de una escuela de artes. La única conexión de esta realización con su predecesora cinematográfica y la serie de televisión, es la actriz Debbie Allen, que ahora interpreta otro rol; el de la directora de la escuela en una breve aparición. Los personajes son más nimios comparados con los antiguos y el desarrollo predecible. Las jóvenes promesas que protagonizan la cinta no tienen ni la mitad del carisma que sus predecesores. El debutante director Kevin Tancharoen, con mucha experiencia televisiva, se muestra como un cineasta aceptable, pero no logra ni de lejos la intensidad dramática del magistral Alan Parker.

Mediocre realización en todos los aspectos, siendo su guión el punto más negativo. La historia es poco creíble, previsible, mal desarrollada y con un final que demuestra la falta de ideas con la que se concibió esta película. El tempo es completamente dispar y su sentido cómico es prácticamente inexistente. Sólo en algunas ocasiones y al principio de alguna escena, hay alguna frase conseguida, que es desperdiciada y no es aprovechada para mejorar el nivel. Los personajes y la actuación son irregulares y en ningún momento consiguen sacar a la película de su mediocridad. “Sólo para Parejas” es una comedia aburrida y de escaso humor, que pretende tener algo de chispa, pero resulta demasiado anodina y completamente previsible, para justificar un presupuesto de 60 millones de dólares y casi dos horas de duración.

Jackson demuestra una vez más su increíble pericia como director, sobre todo a la hora de crear tensión. También sabe manejar bien las tenues conexiones entre el mundo terrestre y el ultraterrenal y lo hace de un modo sutil, sin que esto impida que el espectador las detecte. Igualmente juega bien con el contraste entre lo luminoso y lo tenebroso. La temática del filme y sus desafíos de puesta en escena pueden recordar a filmes como “Criaturas Celestiales”, pero sin duda el planteamiento temático es muy diferente aquí. Dentro de la desgracia, priman el amor, la esperanza y la capacidad de asumir la realidad, por triste que sean las emociones de injusticia y venganza. Hay acierto en el reparto, en el que se destacan especialmente Stanley Tucci, Saoirse Ronan y Michael Imperioli.

Antes de que esta historia llegara a la pantalla grande, los juguetes que cobraban vida en el cine solían hacerlo con intenciones maquiavélicas. Todos se dedicaban a aterrorizar a sus dueños o a tratar de usurpar su alma. En “Toy Story”, en cambio, los juguetes se disputan el amor de su propietario y plantean la reconciliación de lo nuevo y lo viejo, en una película que paradójicamente suponía un primer paso hacia la defunción de la animación tradicional. Ahora la tecnología del 3D ofrece la posibilidad de verla en una forma más espectacular. Este nuevo formato vuelve a satisfacer al público por las sensaciones de revolución técnica y cinematográfica, que igualmente produjo la cinta de 1995.

La dirección de este largometraje está a cargo de Paul Weitz, quien recibió sendos elogios por “About a Boy”. Aunque la narración es fluida, por momentos su historia flaquea por muchos lados. Tras el prometedor inicio, la película parece irse de las manos del director, porque falla en su construcción de profundidad y de la relación entre sus personajes; tanto que desaprovecha el fascinante tema de una amistad que se transforma en rivalidad.
A pesar de la buena ambientación y la estupenda secuencia de créditos iniciales, que logran envolver al público en un escenario gótico-bizarro, la película no llega a levantar vuelo y se convierte en esos productos que salen para tratar de captar fanáticos, cuando no tienen un planeamiento suficiente fuerte para hacerlo; quizás por ello fracasó estrepitósamente en taquilla.
El “Asistente de Vampiro” es una interesante película que presenta ciertas limitaciones. Es muy oscura para un espectador infantil y muy infantil para un espectador maduro. Aun así, es recomendable para todos aquellos que gusten de la fantasía y de seguir una saga que tuvo mucho éxito en su vertiente literaria.

Cinta romántica de Gary Marshall, el director de “Mujer Bonita”, que retoma la forma narrativa del filme “Realmente Amor”, que entrecruzaba historias en torno al día de Navidad de muchos personajes, interpretados por grandes actores británicos. “Día de los Enamorados” copia la idea con famosos actores americanos y sustituye Londres por Los Ángeles.
Este largometraje no llega a la altura de su referente británico, pues la guionista Katherine Fugate carece del ingenio de Richard Curtis. Esta realización tiene pocas sorpresas y es evidente la manipulación que quiere hacer con el espectador cuando pretende representar a todos los rangos de edad, presentar diversas minorías étnicas y hasta contar una pequeña historia homosexual forzada para contentar a todo el público. El nivel de las historias es irregular y la mayoría son facilistas. Sin embargo, sus pequeñas y evidentes pinceladas en torno a la fidelidad, la sinceridad y el miedo al compromiso funcionan. “Día de los enamorados” logra su objetivo de entretener, sobre todo por el atractivo de su glamoroso reparto.

Pareciera que este filme esta maldito como su protagonista, ya que esta cinta iba a ser la primera gran producción de Mark Romanek, genial director de videoclips que dejó un buen sabor de boca con “Retratos de una Obsesión”. Pero Romanek acabó dejando el proyecto por desavenencias con los productores. Le sustituyó Joe Johnston, profesional que ha demostrado su valía en el terreno del género fantástico con Jumanji, Océanos de Fuego y Jurasick Park 3. Pero Johnston se encontró con que finalizado el rodaje su monstruo parecía ridículo. La idea era homenajear al original, con un hombre lobo muy parecido, que caminara de pie como un humano, al estilo de los interpretados por Lon Chaney o Paul Naschy, pero lo que funcionaba en los años 40 se ha quedado totalmente desfasado, después de películas como “Un Hombre Lobo Americano en Londres”. Finalmente Joe Johnston tuvo que rodar planos adicionales para solucionar el problema, con el hombre lobo atacando a cuatro patas.
Pero lo que inicia mal, mal termina. El director se esforzó en lograr una ambientación gótica al estilo clásico. Ha filmado también dos secuencias con la espectacularidad adecuada como el ataque al poblado gitano y la huida del monstruo en Londres. Sin embargo Johnston no consigue superar el principal escollo del filme, un guión fallido -tan insignificante como ligero- que explica la deserción de Romanek. Los tensos encuentros entre el padre interpretado por Anthony Hopkins y el personaje de Benicio del Toro no tienen interés, y tampoco está muy bien explicado por qué el progenitor parece empeñado en hacer la vida imposible a su hijo. No se entiende tampoco si el personaje interpretado por Emily Blunt quiere salvar o matar al hombre lobo al que ama. En estas condiciones, estos esforzados intérpretes, de solvencia probada, poco pueden hacer por evitar el naufragio.

El filme no es una biografía de Nelson Mandela, sino una acertada descripción de cómo éste utilizó un evento deportivo para buscar un punto de encuentro en una población completamente dividida. Clint Eastwood, que tiene a cargo la dirección, no busca detallar la vida personal y política del mandatario, le basta con esbozarla para así poder centrarse en aquello que en realidad le interesa narrar. El realizador parte del hecho de que el público ya conoce todos los terribles aspectos relacionados con el apartheid, por lo que aquí se fija más en la esperanza, la humanidad, la indulgencia y la reconciliación, que aparecen tras una etapa histórica repleta de ignominias. Esta historia se construye sin que el ritmo decaiga y otorgándole a la misma una emoción que no se pueda tildar de forzada. Invictus no es una obra redonda y de hecho probablemente le sobren algunos planos en cámara lenta y varios minutos de su metraje, como el partido final entre Sudáfrica y Nueva Zelanda, pero ello no se convierte en un impedimento para que el espectador disfrute de una emotiva y amena película que llega al corazón. El filme supone además un cambio de registro en su director, quien en los últimos años se ha especializado en filmar dramas flagelantes para el público. Eastwood también logra un acertado reparto que cumple gratamente con su tarea, en la que sus interpretaciones recalcan los aspectos positivos de los seres humanos.

The Hurt Locker ofrece una película de palpable realismo, que compensa la escasa acción y la simpleza de su argumento, con la tensión que generan las situaciones a las que se exponen día a día sus protagonistas, a lo largo de la trama, aunque presenta algunos momentos irregulares. Esta realización no posee un guión que emocione ni deslumbre, son sólo escenas coherentes de alto nivel de impacto que logran su cometido: Abrir una vez más el interrogante sobre la adicción que sufre la humanidad hacia la guerra; el sentido político que ésta tiene y la progresiva destrucción de los seres humanos que provoca. El filme está narrado con la dureza que el tema y la ocasión demandan, enfocando los momentos necesarios para evitar que nada quede fuera de la perspectiva del espectador. La técnica del sonido se presenta igualmente notable. El éxito que está teniendo la cinta en territorio norteamericano, radica en que logra transmitir la misma tensión que el grupo de soldados experimenta, sosteniendo de esta manera la atención del espectador en gran parte del metraje.

Cinta dirigida por el británico Joel Hopkins que se estrenó en los Estados Unidos en temporada navideña, pasando por ello un tanto desapercibida por la cartelera. Hopkins construye una película clásica, tanto en sus formas como en sus contenidos, resolviendo con elegancia e inteligencia una historia romántica entre personas maduras. Aunque todo transcurre con un ritmo tranquilo, el relato mantiene entretenido al espectador de principio a fin. La relación entre los personajes está construida de una manera creíble y ello se debe a la actuación de su fabuloso elenco.

Esta es una realización con marcados parámetros hollywoodenses, que habla de sencillas relaciones humanas con la que cualquier público se identifica. En “Los Abrazos Rotos”, Almodóvar vuelve a hablar de cine desde el cine. Hay menciones explícitas a largometrajes de Louis Malle y Fellini. La película se nutre de influencias como las de Antonioni o Rossellini. Además, el director se auto homenajea con el remake de una de sus realizaciones como parte de la trama y vuelve a aprovechar su cine para dialogar con otras artes.
Almodóvar regresa por la senda de “Hable con Ella”, lo que significa que nuevamente da más peso a la forma de contar el relato que a la propia historia. “Los Abrazos Rotos” tiene un ritmo dramático y aunque sigue una trama sencilla, en esta pausada realización el director renuncia a argumentos retorcidos, para provocar respuesta en un espectador que a estas alturas es difícil de sorprender. La belleza de las imágenes conmueve y dicen mucho de lo que sienten los personajes; un sello propio de Almodovar.
“Los Abrazos Rotos” es una película de personajes y hay que reconocer que la nueva musa de Almodóvar, Penélope Cruz, cumple decorosamente con el director manchego. La naturalidad con la que interpreta su personaje, hace que el público se cuestione si la mediocridad de algunos de sus papeles, es culpa de la actriz o de directores que no son capaces de sacar lo que lleva dentro. El trío de protagonistas se completa con una magnífica Blanca Portillo, actriz fetiche de Almodóvar y con Lluís Homar, al que se le nota que ha trabajado el personaje con esmerada dedicación. Entre los secundarios se destacan caras como la de Ángela Molina y Lola Dueñas, que dan las pinceladas dramáticas o cómicas allí donde el guion lo exige.

Filme especialmente elaborado para que sean los niños quienes vayan a verlo y lo disfruten. Chistes fáciles, básicos y enseñanzas sobre lo importante de tener sueños y creer en un mundo mágico, es lo central de toda esta historia que de vez en cuando saca una sonrisa al público adulto. Dwayne Johnson continúa con la intención de aprender a actuar convincentemente y como lo han hecho otros arquetipos fisicoculturistas de filmes de acción y películas de violencia, quiere intentarlo en un formato más familiar e infantil.

Cinta de Jason Reitman, cuyo punto de partida recuerda en cierta forma a “Gracias por Fumar”, su opera prima. Un interesante cineasta que tiene mucho que aportar y que deja bastante claro que tiene un estilo único de hacer tragicomedia, cuando indaga en temas sicosociales.
Este no es un melodrama lacrimógeno, método que suele ser utilizado por cualquier filme que roce el truculento tema de La Crisis. Por el contrario, ésta es una divertida realización con acertado ritmo, agradables diálogos y multitud de cuidados simbolismos que la acercan al espectador. George Clooney explota al máximo sus virtudes componiendo un trabajo notable, pero queda en un segundo plano por una fabulosa Vera Farmiga. “Amor sin Escalas” habla del desarraigo, del abandono de los sentimientos y de las ataduras en una sociedad que fuerza a huir siempre hacia delante, si se quieren alcanzar las metas que marca la ambición propia, obligando al ser humano a decidir qué quiere dejar atrás y qué está dispuesto a cargar.

Realización dirigida por James McTeigue muy alejada de su anterior trabajo “V de Venganza”. Esta modesta propuesta, tanto en presupuesto como en pretensiones, intenta entretener a base de una violencia casi constante en la que además abusa de la hemoglobina digitalizada. Esta película, limitada en términos creativos, deja ver su infantil manejo y planificación en sus líneas argumentales. En tono de videoclip McTeigue trata de dar ritmo con una conocida coreografía de combate a un metraje de escaso argumento buscando atrapar la atención de un público adolescente que aplauda sus excesos con simpático fervor y al que no le resulte difícil venderle su escasa historia.
Esta ficción de rencillas paterno filiales se hunde en su búsqueda de emociones debido también a lo poco que brinda su reparto y el espectador que pretenda hallar moderados parámetros de virtuosismo estético o méritos mayores no encontrará mucho en este producto.

Esta es una buena producción, basada en la obra maestra de Ozamu Tezuka, en la que la animación digital es acertada y los personajes son expresivos. La interpretación vocal es meritoria, en especial la de Freddie Highmore, que tiene una gran variedad de registros y la de Donald Sutherland, que disfruta su labor de villano de turno. Su presidente Stone es claramente una sátira de George W. Bush, un hombre que busca traidores en todos lados, quiere un robot militar para desatar una guerra y que desea ganar las elecciones. En esta realización los personajes secundarios tienen una enorme gracia, tanto por sus diálogos como por su diseño. La historia es muy amena, dotada de profundidad, con detalles graciosos y cuando llega la acción en pasajes como la secuencia del circo romano o en los cambios de giro de su historia, la cinta atrapa y contagia de emoción al público dejando un simpático sabor.

Las historias que combinan enfermedad mental y talento artístico, suelen resultar tan beneficiosas que en Hollywood ya constituyen una especie de subgénero melodramático, que puede ampliarse a otras aptitudes excepcionales como el talento para la matemática, el deporte o cualquier tema y a tópicos clásicos como el de la superación personal. A la larga, puede suponerse que se llegará a la complaciente conclusión de que el amor obra milagros y que no hay mejor remedio para curar los trastornos (mentales o físicos). Por ello, estos afectos y emociones garantizan el éxito y las lágrimas del público.
“El Solista” es un melodrama afable, superficial, sin profundidad, que no reedita la fórmula al pie de la letra y si no presenta la apoteosis final de la redención y el triunfo, es porque la historia está tomada de un caso real, todavía no concluido, basado en las columnas de un periodista. Este es un filme sensiblero en él que abundan los artificios formales y las frases de cajón. En este largometraje, Robert Downey Jr. sabe convencer y conmover al espectador, mientras Jamie Foxx se esfuerza por representar bien a su personaje.

Cinta que ha llegado discretamente a la cartelera de algunos países, pero no ha sido estrenada en su país de origen (Estados Unidos), donde su llegada a las salas de cine se ha retrasado porque no hay mucho interés por ella, lo que confirma que Catherine Zeta-Jones no es una actriz de comedias románticas. La bella intérprete vuelve a decepcionar por quinta vez, desde que interpretó a Velma Kelly en “Chicago”, Catherine poco ha demostrado en el campo interpretativo desde ese filme. Frialdad y distanciamiento es lo único que puede trasmitir Zeta-Jones es este producto. Su compañero de reparto, Justin Bartha, tampoco es un as para la comedia y no genera la simpatía que la historia de este largometraje busca. La química entre ambos es nula.
El filme también desaprovecha la línea argumental de un interesante modelo de pareja: La mujer como el agente activo y económico del hogar, mientras que el hombre se queda en el rol de cocinar y cuidar a los niños. Antes que desarrollar ese planteamiento, la cinta le apuesta a uno más fácil, buscar la sonrisa a través de avergonzar al protagonista por su escasa edad respecto a su novia, idea que tampoco desarrolla y mínimamente se presenta como graciosa.

El británico Guy Ritchie propone una nueva visión del personaje de Sir Arthur Conan Doyle. Su propuesta de Sherlock tiene acción y algunos golpes de humor. En esta realización la reconstrucción de la Inglaterra victoriana es de las más logradas que se hayan visto en la pantalla. El ritmo del filme es dinámico, propio del género de aventuras y los giros de guión dosifican muy bien la intriga hasta el final.

Lamentablemente la mediocridad de la que ya hacía gala el director de esta producción, tiene su continuidad aquí: humor rebajado a situaciones que fuerzan expresamente el gag y rayan en el ridículo y escenas sin apropiada justificación para ser encadenadas. Este largometraje sin referentes sólidos que lo refuercen, desaprovechó su punto de partida en el que pudo explotar mejor la relación de la pareja dispareja y optó en cambio por jugar a un humor más visual y facilón. Old Dogs es una sosa comedia familiar, sin gracia, que en absoluto beneficia en nada a la filmografía de sus protagonistas. Por el contrario, contribuye al declive de sus carreras, cuando su fama cinematográfica se apaga; lo que no quita que en su día hayan hecho títulos más interesantes que éste y que hayan sido buenos actores.

James Cameron es un hábil guionista, que mezcla temáticas de varias de las cintas de mayor éxito de los últimos años. on ellas construye un guión muy previsible que toca a todos y cada uno de lo resortes más eficaces para agradar al público. Avatar es un ingenioso cóctel de “Bailando con Lobos”, “Jurasick Park”, “Corazón Valiente” y de sus propios filmes “Aliens”, “Abismo” y “Terminator 2”. Cameron coloca cada pieza en su sitio para que el resultado final no descontente a nadie. Se le puede achacar falta de originalidad y riesgo narrativo, pero la cinta no ha sido creada para deslumbrar a los cinéfilos con sus hallazgos dramáticos si no para dejar impresionado al público con el espectáculo de sus imágenes.

El filme cumple medianamente su función, pues entretiene a una parte del público infantil. Destacan las cuidadas animaciones de los personajes animales y la manera como los integran en su entorno. Sin ser una producción sobresaliente, este metraje divulga valores muy positivos sobre los comportamientos familiares y la superación de pequeñas rencillas entre hermanos. Sin embargo, esta realización no tiene la capacidad de sorpresa que tuvo la primera cinta. Betty Thomas se muestra como una directora inferior a su predecesor, apenas logra disimular la ausencia en gran parte del metraje de Jason Lee, un actor cómico capaz de resultar divertido sin excesos histriónicos.

Este es un filme entretenido, lleno de color, en el que su música hace un recorrido desde el cajun al jazz. Con esta cinta Disney hace el ejercicio de regresar a la animación tradicional, con la que cumple con creces, pero sin los logros que obtuvo en su momento con producciones como “La Bella y la Bestia” y “El Rey León”. Las películas de Disney siempre han sido un reflejo de su tiempo y esta no es la excepción. Este es un filme con una mirada social y política en la línea de Barack Obama, no es gratuito que la princesa del cuento es negra, que homenajea a Nueva Orleans y que reivindique la igualdad entre el hombre y la mujer.

Cuenta con un guión y la dirección de Oren Peli, un creador de videojuegos israelí. “Actividad Paranormal” es una realización que consigue un realismo extremo, a pesar de repetir una fórmula ya conocida por los espectadores de filmes como “La Bruja de Blair” o la española “REC”. Oren Peli logra dotar a su cinta de personalidad propia, con un tratamiento de los diálogos y situaciones lleno de naturalidad, que va haciendo que el publico se sienta, poco a poco, atrapado por la ilusión de que lo que ve puede ser cierto.

Cuenta con grandes virtudes: Visualmente es muy lograda; la ambientación consigue recrear y capturar la atmosfera de los años 40 gracias a un notable trabajo fotográfico. Por otra parte, las actuaciones, especialmente la de los dos protagonistas, están al mismo nivel. Respecto al guión, se trata de una trama compleja y ambigua. El filme falla cuando intenta plasmar el desconcierto y la turbación emocional, que generan las vivencias de sus protagonistas. La película parece más interesada en mostrar su muy conseguida fotografía, que en ahondar en el núcleo de ambas figuras. “Flame y Citron” consigue presentar, de la mejor forma, una interesante historia pero demasiado influenciada por el cine de Hollywood, que sacrifica el fondo por la forma.